Acompañando el texto de del amigo de la casa Carlos Losilla y mientras preparamos la entrevista con Jonás Trueba, publicamos la siguiente reflexión escrita por el cineasta exclusivamente a pedido de GRUPOKANE para el dossier llamado “¿Por qué filmo?” –cuya primera entrega fuera publicada originalmente en noviembre de 2011–, donde una gran cantidad de realizadora/es tanto de la escena local como de la internacional expresan por escrito su mirada alrededor de este interrogante. 

No se precipiten. No empiecen a ver en una película tan frágil y delicada como Los ilusos segundas intenciones, esas malditas ‘dobles lecturas’ que a veces desdoblan demasiadas cosas. Pues no hay película más transparente, ni más directa. 

Por Carlos Losilla 

En tiempos donde se fabrican falsos héroes y maravillas pugilísticas, a veinte años del estreno de Gatica, el Mono (1993) y a cinco meses de la muerte de su director, Pablo Trapero presenta en su tercer cortometraje institucional un sentido homenaje al cineasta argentino Leonardo Favio. 

Por Pablo Acosta Larroca

[...] Fue por azar que empecé a ver la obra de Ulrich Seidl a partir de Der Bussenfreund, lo cual me proporcionó un inmejorable punto de partida para mis propósitos. También fue el azar el que decidió el curso que tomaría mi escritura, a medida que me llegaban los videos desde Gijón [...] 

Por Carlos Losilla

Sólo hay fe en lo que no se puede ver, ni escuchar, ni tocar. En cambio, María tiene su casa colmada de imágenes, objetos y sonidos que para ella dejan de ser representaciones y se convierten en presencias manipulables. Ella no tiene fe. La fe de María es un engaño a latigazos. 

Por Leandro Rodríguez Salcedo

[...] Jerry Lewis cumplió 87 años el 16 de marzo pasado. Nació en 1926, el año en que Keaton estrenaba El maquinista de la General y uno después de que Chaplin hiciera lo propio con La quimera del oro. Lewis también era hijo de artistas de vodevil y como ellos primero actuó con sus padres antes de convertirse él mismo en su propio número [...] 

Por Juan Pablo Cinelli 

Un torbellino emocional profundo y movilizador, porque el imaginario afectivo de Hong se hunde en las imbricadas relaciones humanas con una verdad sensible que repercute en el interior de los iniciados, que signa las existencias de quienes, tarareamos para sí: “yo nunca aprendo, de las mareas soy rehén”. 

Por Pablo Acosta Larroca

En The day he arrives Hong Sang-soo demuestra nuevamente lucidez. Comer, beber, amar como síntesis de su cine, cuyas historias vuelven una y otra vez, pero siempre con matices diferentes, lo que paradójicamente las vuelve únicas e irrepetibles, como las historias de amor. 

Por Pablo Acosta Larroca

The day he arrives es un recorrido sereno pero a la vez sinuoso por los caminos del beber, comer y amar. Amores platónicos, triángulos, relaciones truncas, amores pasados… por cada trago, las desinhibiciones se instalan y allí nacen los más puros sentimientos. 

Por Diego Cirulo

Que las películas de Hong Sang-soo sean algo parecidas entre sí (en términos del universo que rodean, del tipo de personajes, y de los encuentros, azares, amores, vivencias, bebidas, etc.) no parece ser ningún impedimento para que cada una encuentre diferentes formas de acercarse a nosotros. 

Por Mariano Morita

¿Has sentido que has experimentado con anterioridad una situación nueva? Un déjà vu. Un doble. Un reflejo que se asemeja pero no es idéntico al original. Una situación familiar que nos trae cierto desasosiego, pues no se repite del todo igual. El ser humano es el único ser que se tropieza dos veces con la misma piedra... 

Por Anabella Speziale

“A veces creo que soy director de cine sólo por la gente con la que me junto a hacer estas películas. Son ellos los que hacen que yo sea director, porque la verdad es que no me imagino filmando una película sin ellos. Este grupo de personas son mis amigos.” | Matías Piñeiro para la revista Las Naves, número 1. 

Por Lucía Salas

En Viola, los rostros y los movimientos se conjugan en una danza visual cuyo poder pocas veces ha sido mostrado en el cine argentino de los últimos años. Siempre afín a los primeros planos de sus mujeres, Piñeiro sabe que en esos rostros se puede develar algo que solamente la imagen cinematográfica es capaz de mostrar.

Por Lucas Granero

Viola es una película que respira femineidad. En cada plano, rostro, diálogo o acción particular nos encontramos ante un universo que explora el íntimo mundo femenino sin caer en lugares comunes o clichés [...] La cámara de Piñeiro es sensible a la belleza, amándolas, conteniéndolas y exponiéndolas como mujeres que son. . 

Por Diego Cirulo

Dime quién era Sanchicorrota, primer largometraje del cineasta español Jorge Tur Moltó, se establece a partir de dos nociones que, unidas, resultarían contradecirse, pero en realidad significan en un sentido inverso, a saber, descartado, en tanto adjetivo, y dignidad, en tanto sustantivo. 

Por Geraldine Salles Kobilanski

El Loro y El Cisne, una película que se ubica en el exacto punto donde la ficción y el documental comienzan a cruzarse [...] El principio rector de esta nueva película de Alejo Moguillansky es uno extremadamente lúdico que no para de transformar a la obra en un objeto cuya inquietud y ganas de experimentar jamás cesan. 

Por Lucas Granero

La Paz cuenta la historia de un joven roto que está aprendiendo a curarse. Esa recuperación es lenta, tiene altibajos y siempre depende de otros, para bien y para mal. El proceso de curación está planteado no sólo desde el camino para encontrar la propia paz, sino de saber conocer y entender al otro, entender que todos estamos rotos. 

Por Lucía Salas

En la tradición judeocristiana el Leviatán es una bestia marina. En la filosofía política, el Leviatán está ligado al hombre como lobo del hombre. Leviathan es la película que viene a plantear que el hombre es el lobo del hombre y de las bestias, porque el hombre y su tecnología han superado cualquier monstruosidad imaginable. 

Por Lucía Salas

Stemple Pass es parte de un proyecto de James Benning en el cual reconstruyó las cabañas de dos famosos ermitaños, Henry David Thoreau y Ted Kaczynski (el Unabomber), en medio del bosque. Y allí donde ellos escribieron sus manifiestos, Benning –el tercer ermitaño de esta historia– filmó el suyo. 

Por Lucía Salas

¡Salgan de sus casas! ¡Todos a la plaza! Con carteles, con propuestas, con los cánticos... con el consenso que son el noventa y nueve por ciento. ¡Todos a la plaza, que es nuestra! El 15M no es un día, son todos los días. ¡Todos a la plaza, que quedarán en la memoria! Eso sí, ¡no intenten construir las mismas estructuras que denuncian! 

Por Anabella Speziale

Durante la década del ’60, y en medio de un golpe de estado, se asesinaron a más de 1.000.000 de personas en Indonesia. En la actualidad los asesinos son conocidos y respetados socialmente. Incluso se vanaglorian públicamente de sus asesinatos. 

Por Salvador Savarese

La generación post Mayo Francés, muy pocas veces representada en el cine, permite reflexionar sobre el valor simbólico de las revueltas de París del ´68. ¿Qué hay después? Esta parece ser la pregunta que atesora Olivier Assayas en el film Après mai. 

Por Fernando Madedo 

Naomi llegó a este mundo sola, sin nadie a su lado para la abrazarla, cobijarla, criarla y amarla. La realidad –con su sombrío ceño fruncido– le susurró al oído y le dijo que el frío y la desilusión serían parte intrínseca de su vida, que la soledad sería el corazón de su existencia. 

Por Diego Cirulo

El espacio parece inmutable. Abajo, las nubes, parecen inmutables. Menos el hombre, todo parece eterno como una fotografía. Y desde allí se arroja el hombre hacia el mundo, y a medida que se acerca, ese escenario se pone en movimiento. Así comienza el último film de Peter Metler, mientras su voz menciona que aquel hombre se sentía flotar en el espacio, sin movimiento. 

Por Leandro Rodríguez Salcedo

“Sin ningún punto de referencia en el espacio, el tiempo se detiene”, versa la voz over del mismísimo Peter Mettler al principio del film, mientras las imágenes dan cuenta del salto del astronauta estadounidense Joe Kittinger, quien en 1960 se lanzó en caída libre desde un globo al borde del espacio exterior. 

Por Anabella Speziale

El caso de Manoel de Oliveira es extraño. Nacido en 1908, comienza a filmar hacia los fines del cine mudo. Así como podemos hablar de gente cuya patria es el mundo, el tiempo en el cine de Oliveira es el transcurrir de la historia occidental. 

Por Salvador Savarese

Otro de los viajes de Abbas, de sus recorridos humanos y cansinos por el espacio y el tiempo que nos entrega las desventuras de Akiko y Takashi que, en su triste soledad, se relacionan sin saber hacia donde los llevará el viento, como si lo importante no fueran los resultados sino el devenir en el espacio y el tiempo. 

Por Diego Cirulo

Ella (mujer | compañera | novia | amada) entra al cuadro y camina por entre las dunas [...] Con aires de película casera y autobiográfica, Mapa recorre España e India del derecho y del revés, adentrándonos en un relato, semilla inmortal y universal, donde “chico no puede olvidar a la chica que le rompió el corazón”. 

Por Federico Godfrid

Todos anhelamos un amor... Y cuando esa ilusión se desploma, llenamos una mochila y tomamos una cámara para así emprender la huída. Una partida hacia un lugar exótico. Puede ser a la India, puede ser al interior de nuestro propio ser... pero fuera de todo itinerario siempre hay algo que nos descoloca. 

Por Anabella Speziale

De cierta forma podríamos decir que tanto Kataoka como Otomo son Kitano. Pero mejor dicho: el primero es Takeshi Kitano y el segundo es Beat Takeshi... Uno estructura, el otro actúa. Outrage Beyond es una consecuencia violenta y explosiva de aquello que sucede cuando el primero le da las armas al segundo. 

Por Mariano Morita

El cuarto largometraje de Reygadas, nos introduce en un diálogo que se repetirá como constante: el ser humano y la relación física que establece con los diferentes entornos que el mundo le va presentando: luminosidad-oscuridad, interior-exterior, campo-ciudad, natural-artificial, estático-dinámico. 

Por Diego Cirulo

Tizza Covi y Rainer Frimmel trabajan su película con materia viva, sin estructuración posible a priori, porque todos sus significantes constitutivos –personajes, espacios, tiempos– surgen del encuentro con la realidad que al montarlos en dispositivos de ficción generan un encuentro directo con lo real. 

Por Federico Godfrid

Jonas Mekas, celebrador de la vida si los hay, no permite que la falta de sueño obstaculice su constante camino hacia el encuentro con esos pequeños destellos de belleza que está acostumbrado a capturar con sus cámaras. Una especie de reversión alucinada (de sueño) de “Las Mil y Una Noches”.

Por Lucas Granero

Cada conversación nos lleva a otra en un mosaico ecléctico, como en nuestra vida cotidiana. Brinda con nosotros con cierta melancolía por aquellos que ya no están, y con cierto sosiego por aquellos que vendrán. Un brindis que se desvela mientras se inmortaliza entre flashes, corchos y risas. 

Por Anabella Speziale

Vic+Flo… puede pensarse como una suerte de continuación de Bestiaire (2010), presentándonos esta vez otro tipo de animales (que se suponen civilizados y con acceso al lenguaje), fuera de la jaula (al menos físicamente), poniendo en juego el significado de la libertad como concepto y su relación con la vida de los individuos. 

Por Diego Cirulo

“... y estos niños que ustedes desprecian cuando ellos plantean cambiar su mundo son inmunes a vuestras consultas. Ellos bien saben lo que les pasa...”  El logo de la Universal invadido por el ritmo hipnótico de una gran canción de los Simple Minds. El estribillo reclama: “Don't you... forget about me”. 

Por Fabio Villalba

Tercera entrega de la “tetralogía del amor” que produjo Aries Cinematográfica entre 1979 y 1980. La playa del amor de Adolfo Aristarain es impresionante por su consciencia y su cinismo, porque el joven director sabe qué elementos tienen que tener estas películas: los actores y los videoclips. 

Por Lucía Salas

Ignacio Agüero planteaba que hoy en día es muy difícil pensar en hacer cine en Chile, al menos para él, porque siente que es un pueblo que está viviendo en la derrota. No obstante, el realizador chileno se propone seguir filmando y para ello parece preguntarse: ¿cómo se puede vivir hoy en la derrota? 

Por Lucía Salas

En su artículo “Maravillosa melancolía. Cazadores de utopías: una lectura desde el presente”, publicado en el libro Cines al margen – Nuevos modos de representación en el cine argentino contemporáneo, el reconocido investigador y crítico argentino Gonzalo Aguilar propone un recorrido por algunas películas del reciente cine argentino que exploran un camino introspectivo hacia el pasado en la búsqueda de la construcción de la identidad. Como el propio autor sostiene «señalan un nuevo umbral para las relaciones entre cine, documental y memoria en la Argentina de los últimos años». A partir de esta premisa nos propusimos presentar un cuerpo de entrevistas y textos que dialoguen entre sí para reflexionar sobre estas películas que surgen desde de los hijos de los desaparecidos o de las personas que aunque no tengan una conexión directa con los hechos comparten sí la misma generación, películas que son las primeras surgidas de la herencia de la dictadura y que son diametralmente distintas a toda la producción anterior. Esta suerte de dossier si se quiere se complementa con otras entrevistas y artículos relacionados que fueron oportunamente publicados en la revista.
 

GRUPOKANE

Un hombre mirando su vida a través de los ojos de niño y una historia de amor… imposible de tan perfecto, donde lo emocional es la clave para su recorrido. Quizás por ello, el propio Benjamín Ávila declare: «Las ideas inicialmente siempre tienen una raíz emocional, todo concepto político o social surge de una pregunta emocional con uno.» 

Por Pablo Acosta Larroca y Federico Godfrid.

Instalando su cámara en el cementerio de La Recoleta y a partir de la lectura de diversos fragmentos de textos y documentos de los padres de la patria argentina, la película plantea un recorrido posible por su historia que propone delinear una genealogía de país, «un diálogo (im)posible entre tradiciones estético-políticas enfrentadas», como expresa el propio realizador. 

Por Pablo Acosta Larroca.

Sólo piezas sueltas de un rompecabezas social recubierto de hostilidad e indiferencia que el propio Nicolás trata de sortear, completar y unir a través de su investigación, en un intento por recuperar los vínculos con su madre desaparecida y reconstruir la Historia a través de su historia. 

Por Pablo Acosta Larroca.

«La memoria es un multigénero. El recuerdo a veces es un objeto, otras un policial, a veces viene en formato documental y otras es pura ficción». La reflexión de Albertina Carri que puede aplicarse a toda su filmografía, interesada por reflejar la multiplicidad de formas y miradas para demostrar que no existen “únicos discursos”. 

Por Diego Cirulo.

Raymundo Gleyzer formó parte de una generación de cineastas comprometidos con la vida política de los años ‘60 y ‘70. La periodista Cynthia Sabat, realizadora del cortometraje documental Fuego eterno (2012) reflexiona sobre lo que significó para ella encontrarse con Raymundo a través de la memoria de su familia. 

Por Pablo Acosta Larroca y Diego Cirulo.

A comienzos de la década de 1970, comienza a configurarse un núcleo vinculado a la izquierda marxista del PRT-ERP, articulado en torno de Raymundo Gleyzer, quien tras su experiencia en México comenzaría la realización del Los traidores (1973), en cuyo proceso se conformaría el grupo Cine de la Base.

Por Mariano Mestman.

(Obituario 5 de noviembre de 2012) A modo de homenaje publicamos la siguiente reflexión contada por el cineasta exclusivamente a pedido de GRUPOKANE para el dossier llamado “¿Por qué filmo?” –cuya primera entrega fuera publicada originalmente en noviembre de 2011–, donde una gran cantidad de realizadora/es tanto de la escena local como de la internacional expresan por escrito su mirada alrededor de este interrogante. 

Wim Wenders, Ulrich Seidl, Eric Khoo, Guy Maddin, Frederick Wiseman, Kijû Yoshida, Alexander Kluge, Krzysztof Zanussi, Jacques Doillon, Matías Piñeiro, Natalia Smirnoff, Diego Lerman, Paul Driessen, Monte Hellman, Bill Plympton, Adam Elliot, Michaela Pavlátová, Marina De Van, Isabel Coixet, José Luis Guerin, Kent Jones, Manuel Antín, Fernando Birri, José Martínez Suárez, Edgardo Cozarinsky, Hal Hartley, Carlos Reygadas, Urszula Antoniak, Kim Longinotto, Isaki Lacuesta, entre muchos otros, contestan exclusivamente para GRUPOKANE alrededor de este interrogante. 

Compilado por Pablo Acosta Larroca y Florencia Gasparini Rey.

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Wim Wenders, Ulrich Seidl, Eric Khoo, Guy Maddin, Frederick Wiseman, Kijû Yoshida, Alexander Kluge, Krzysztof Zanussi, Jacques Doillon, Matías Piñeiro, Natalia Smirnoff, Diego Lerman, Paul Driessen, Monte Hellman, Bill Plympton, Adam Elliot, Michaela Pavlátová, Marina De Van, Isabel Coixet, José Luis Guerin, Kent Jones, Manuel Antín, Fernando Birri, José Martínez Suárez, Edgardo Cozarinsky, Hal Hartley, Carlos Reygadas, Urszula Antoniak, Kim Longinotto, Isaki Lacuesta, and many others offered exclusively for GRUPOKANE their answer to this question. 

Compiled by Pablo Acosta Larroca and Florencia Gasparini Rey.

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