Imaginen la sensación de encontrarse cara a cara con la mujer de “carne y hueso” que se aloja detrás de sus propios personajes femeninos, aquellos personajes animados cargados de seducción, erotismo y que con una sola mirada pueden generar un latido real del otro lado de la pantalla. 

Por Pablo Acosta Larroca.

Nota Relacionada: Encuentro con Michaela Pavlátová 

MICHAELA EN SU TINTA 

(fecha de realización: Noviembre 2008) 

Como muchos pertenezco a una generación que creció viendo las animaciones de Caloi en su tinta. De esos tiempos, recuerdo compartir con mi padre -mi mayor mentor cinematográfico- la predilección por algunos autores que la mayoría de las veces advertíamos por su trazo y su estilo inconfundibles, más que por sus verdaderos nombres. Eso llegaría después, con la madurez y mi vocación cinéfila. Por eso, hoy puedo decir con nombre y apellido que Michaela Pavlátová era una de nuestras favoritas.

Imaginen entonces la sensación de encontrarme cara a cara con la mujer de “carne y hueso” que se aloja detrás de sus propios personajes femeninos, aquellos personajes animados cargados de seducción, erotismo y que con una sola mirada pueden generar un latido real del otro lado de la pantalla. Como si fuera poco y de yapa, Michaela me obsequió un “original” de su trazo generado allí, en ese preciso encuentro.

 
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¿Cuáles fueron tus influencias y tu formación y cómo se produce tu acercamiento al cine de animación?

Desde pequeña me gusta dibujar, así que puedo decir que esa es mi primera formación. Con respecto a mis influencias, provengo de una familia con cierto gusto por el arte, pero sobre todo debo reconocer en mi tía, que era una escultora proveniente de Rusia, la mayor de las influencias. Fue ella quien les aconsejó a mis padres que me llevaran a la escuela de arte. Luego de los estudios secundarios especializados en arte, me dirigí a la universidad y por descarte (pues los demás tenían los cupos completos) ingresé en el departamento de Animación. Fue durante esos años donde realmente descubrí definitivamente mi vocación y la fascinación por la animación, como la posibilidad de generar mis propias historias de forma independiente.

Por otro lado hay que pensar el contexto en el que crecí, ya que en los tiempos del régimen comunista -con todo lo que podemos decir en su contra- sí se apoyaba cierto tipo de arte, alimentando las ilustraciones infantiles y los cortometrajes de animación: el Estado apoyaba a los estudios que producían cortometrajes de animación, que al recibir su apoyo no necesitaban pensar en un mercado como hoy día, porque básicamente no existía. Por lo tanto, ser artista era una buena decisión digamos, pues se gozaba de cierta situación de privilegio que desapareció con la caída del régimen, que paradójicamente fue lo que mejor nos pudo suceder.

En tus cortometrajes uno puede verse reflejado porque trabajás con elementos que son inherentes a la condición humana: la relación hombre y mujer, el sexo, el amor, los celos, la muerte, la familia. Supongo que hay en vos una gran observación y curiosidad por estos tópicos. Me gustaría que hablaras un poco de dónde surgen tus motivaciones a la hora de realizar tus cortometrajes y cómo trabajás para llegar a ese grado de identificación.

En principio gracias, es lindo escuchar eso de tu parte. Con respecto a tu pregunta, simplemente trato de dar lo mejor de mí, realmente no sé cómo lo estoy logrando. Tengo una motivación simple: ver que algo se esté moviendo, insuflarle vida a algo, crear la vida en el dibujo. No pienso tanto acerca del tema cuando se me están armando las ideas, generalmente el tema surge un rato después, como un devenir a partir de los dibujos. Pero en ocasiones necesito un tema, como un hilo conductor que incluso a veces surge de la cuestión de la repetición como concepto, otras veces surge la idea de hacer un film acerca del erotismo. Lo que más me interesa es la realidad o la vida interna, no lo que sucede externamente u objetivamente, sino las variaciones de las relaciones y los vínculos. En este sentido he hecho muchas películas acerca de las relaciones entre el hombre y la mujer porque me parece que ese es un tema muy pero muy amplio y con el cual poder comunicarse directamente, con emociones verdaderas, humanas, que todos conocemos. Además y como siempre digo, abordo la relación hombre y mujer porque tengo un imaginación muy escasa (risas). Por lo tanto, para crear las historias sólo tengo que observar alrededor y a mi propia experiencia, transformando lo que siento y lo que pienso en movimiento. No quiero decir que mis películas son autobiográficas, pero mirar tu vida y tu experiencia es contar a través de lo que uno conoce en profundidad, y de allí surge la inspiración.

¿En este sentido algo que siempre me encantó de tu obra es que más que darle importancia al movimiento de los personajes (como suele suceder generalmente en la animación) tu trabajo se centra más en la mirada, en los ojos y en la emoción de los personajes. Me gustaría que hablaras un poco de esto?

Sí, absolutamente. Como te decía recién me interesa más lo que sucede adentro y eso se da en lo ojos y con el manejo del tiempo de contemplación interna, como si el tiempo se suspendiera en los ojos y de allí al interior de los personajes. Para mí es mucho más interesante que animar acciones de los cuerpos por ejemplo, que además es algo que a mí me cuesta muchísimo: no soy muy buena a nivel de la animación del movimiento.

Otro rasgo a señalar es que trabajás casi sin diálogos -casi como marca autoral- recurriendo a un gran trabajo de sonido y a la expresión de los personajes, recurriendo también a onomatopeyas, símbolos e iconografías para dar cuenta de relaciones muy humanas: celos, duda, amor, deseo,... Por ejemplo como en Un estudio de un álbum (An etude from an album, 1987), en Palabras, palabras, palabras (Words, words, words, 1991) o en Laila (Laila, 2006) por citar algunas.

El abordaje onomatopéyico e icnonográfico es el que más me gusta trabajar, porque de esta manera amplío la comunicación con el espectador que lo percibe directo y sin barreras idiomáticas. Mi idioma natal es el checo, entonces si yo escribiera los diálogos en checo luego sería necesario traducirlos al inglés y a otros idiomas. Para mí es más fácil entonces no incluir el diálogo en las animaciones y resolverlo con este abordaje para que así se reciba mejor, internacionalmente.

De todas maneras también soy conciente de los límites que aparecen cuando uno se dedica a expresar algo solamente a través de los movimientos y los símbolos. Lo bueno de los films con actores, con acción viva digamos, es que justamente uno puede utilizar el diálogo y sentir las emociones y el mundo interior de los personajes a través de sus palabras.

Con relación a esta forma de comunicación universal que apela a lo antropológico-cultural, algo que me sucedió al ver Sobre la abuela (On grandma, “O babičce”, 2000) -el retrato de tu abuela que es a la vez un retrato de la historia checa- es sentir una fuerte ambigüedad: una historia ajena a mí y a la vez muy cercana. A mí particularmente me conectó sensiblemente con mi propia familia, con mi propia abuela. ¿Cómo creés que suceden estas cosas? ¿Cuanto lo tenés en cuenta al espectador a la hora de crear tus universos?

El espectador siempre es importante, porque a diferencia de la pintura que es un acto más privado, el film siempre está dirigido a una audiencia. Y por supuesto, yo quiero que el público entienda la idea que le estoy tratando de transmitir, que entiendan lo que quiero reflejar, lo que quiero decir. Sin embargo, esto no quiere decir que me sienta supeditada a la audiencia: yo no voy a hacer que mis films sean “más dulces ó más agradables” -por así decirlo- porque la audiencia así lo demanda. Ahora, es muy lindo para mí escuchar lo que acabás de decir acerca de Grandma. Es muy lindo saber lo que te pasó con las imágenes de mi propia abuela. ¡Eso es todo! Porque todos tenemos abuelas y es maravilloso que la gente pueda encontrar puntos en común. Esa es la mejor satisfacción, porque cuando sucede quiere decir que tu film ha llegado a ellos a través de algo muy tuyo.

¿Creés entonces que la animación es una forma de generar conocimiento y de generar motivaciones en las personas?

No entiendo muy bien la pregunta, es demasiado “filosófica”. Tenés que ser más sencillo conmigo… Pero sí, ¡yes! (risas).

Muchas veces uno se encuentra con animaciones donde la tecnología y los procesos digitales son los protagonistas, el virtuosismo por sobre el mundo representado, por sobre la idea, por sobre la emoción de los personajes. En este marco, ¿crees que la tecnología permite generar y contar nuevas historias ó simplemente se trata de un dispositivo, de una herramienta?

Estoy de acuerdo acerca de lo que decís sobre el virtuosismo: el hecho de que hay films que están muy bien hechos pero que no transmiten nada, con la diferencia que los encuentro de los dos tipos, tanto los que son generados justamente con nuevas tecnologías como los que son generados con técnicas tradicionales. Lo que comparten esos films, más allá de la técnica o el modo en que están hechos, es que no tienen vida, son artificiales. Así que me gustan muchos de los films nuevos hechos con nuevas tecnologías cuando están utilizadas con coherencia. Y los que más me gustan son aquellos en los cuales no puedo reconocer cómo se hicieron y qué técnica utilizaron.

En mi caso particular soy de los animadores que vienen del método tradicional. Por lo tanto, como muchos de mis colegas, al principio me negaba a la computadora, porque en el fondo le tenía miedo. Pero creo que los años que estuve viviendo en Estados Unidos, más exactamente en San Francisco, trabajando como directora de comerciales para un estudio, comencé a animarme y luego capitalicé esa experiencia, al punto que ahora -y en algún punto como todo en este mundo- se me hace muy difícil la idea de trabajar sin mi computadora.

Pero volviendo un poco a la pregunta, creo que todo tendría que ir de la mano: la historia y la tecnología, el mensaje, la tecnología y su forma.

En tu obra puede verse el uso de dibujo a mano, collage, repetición, stop motion, mezcla de animación y acción viva, documental e imágenes de archivo. Quiero decir, es notable como no te has encasillado en una única técnica de animación. ¿Con cual te sentís más cómoda y cercana a tu universo creativo?

Me avergüenza decir esto pero yo me siento más cómoda al trabajar con una técnica muy vieja que es Flash, es decir animación 2D, porque me permite trabajar rápidamente y ver el movimiento de inmediato pero claro, no puedo trabajar mucho con los materiales y los colores. En computadora están bastante limitados, entonces uno carece de la sensación del tacto humano, eso es lo que justamente a mí me gusta, poder tener este contacto con esta sensación del tacto humano o del contacto humano.

No manejo animación 3D; me doy cuenta que me cuesta dominar programas nuevos y me siento un poco envidiosa de estas nuevas súper súper tecnologías. En este sentido deposito esperanzas en mis propios alumnos, ya que como he comenzado a enseñar hace poco, quizás a través de ellos pueda renovarme y adquirir nuevos conocimientos en este sentido, porque trabajo un poco con Flash pero también trabajo con mis propias manos y me resulta un poco difícil incorporar estas tecnologías tan novedosas.

Con Juegos desleales (Faithless games, 2003) y con Búhos nocturnos (Night owls, 2008) incursionás en la ficción con actores reales. ¿Cómo se produce este cambio?

Como decíamos recién, siempre busco nuevos espacios para refrescarme. Por ejemplo ahora estoy en el medio del difícil proceso de renovarme, mientras realizo pequeños trabajos, como escribir historias e ilustrarlas o proyecto cortometrajes y guiones de acción viva. Como sea, nunca me gusta encasillarme ni repetirme, y en una profesión como esta es delicado y complejo no caer en ello. Así accedí a realizar los dos largometrajes de acción viva que señalás. Ahora bien, no es algo que estaba programado, no es que he escrito guiones desde siempre o realizaba mis animaciones para convertirme en directora de largometrajes con acción de “carne y hueso”. Simplemente cuando me lo ofrecieron y aun sin saber si podría lograrlo, lo acepté porque me cautivó el desafío de hacer algo nuevo, y realmente la experiencia ha sido maravillosa: he disfrutado tanto cada rodaje que incluso durante los mismos perdía la noción del tiempo, al punto que cuando se terminaron me he sentido muy triste, porque durante ese periodo vivís una vida diferente e intensa que se corta de golpe al final del rodaje. Así que no descarto seguir haciendo más films de acción viva mientras sienta que me estoy renovando, que no me estoy repitiendo, que tengo algo nuevo para ofrecer.

Para finalizar, ¿cuál sería tu legado para alguien que se inicia en el mundo de la animación?

Le diría “seguí luchando porque es súper emocionante ser el creador de un nuevo universo”. Yo sé que es muy difícil seguir luchando porque es muy difícil ganarse la vida de esta manera, es un círculo muy limitado de personas, pero es una pasión y por lo tanto no hay que desoírlo: hay que seguir remándola, por así decirlo.

“Original” con dedicatoria nacido del trazo de Michaela Pavlátová

Acerca de Michaela Pavlátová

Nace en Praga, República Checa, en 1961. En 1987 se graduó de la Academia de Arte, Arquitectura y Diseño de Praga.

Como directora de cine de animación, sus películas han recibido premios en numerosos festivales internacionales de cine, incluyendo una nominación para el Oscar por Palabras, palabras, palabras (Words, words, words, “Reci, reci, reci”, 1991) en el Gran Premio de Montreal, y elogios en Berlín, Tampere, Hiroshima, Stuttgart y la lista continúa.

Su corto de animación, Repetición (Repeat, “Repete”, 1995), también ha obtenido una serie de premios, incluyendo el Gran Premio en el Festival Internacional de Animación de Hiroshima y Oso de Oro en Berlín. Proyecciones retrospectivas de sus películas se han presentado en Francia, EE.UU., Portugal, Bélgica, Gran Bretaña y en Praga. Desde 1998, Michaela ha dividido su tiempo entre Praga y San Francisco, donde trabajó como directora de arte con la compañía de animación Wildbrain inc.
Después de 2002 regresó de nuevo a Praga. En 2003 dirigió su primera película de acción en vivo Juegos desleales (Faithless games, “Neverné hry”, 2003), a la que seguiría luego Búhos nocturnos (Night owls, “Deti noci”, 2008).

Su filmografía comprende los cortometrajes de animación Laila (2006); Carnaval de animales (Carnival of animals, “Karneval zvirat”, 2006); Cuentos con cola (Taily tales, 2001); Sobre la abuela (On grandma, “O babičce”, 2000); Cementerio (Graveyard, 2000); Para siempre (Forever and ever, “Az na věky”, 1998); Esta podría ser yo (This could be me, 1996); Repetición (Repeat, “Repete”, 1995); Tíos y tías (Uncles and aunts, “Strýčkové a tetičky”, 1992, junto con Paul Driessen); Palabras, palabras, palabras (Words, words, words, “Reci, reci, reci”, 1991); Palabras cruzadas (The crossword puzzle, “Krízovka”, 1989); Un estudio de un álbum (An etude from an album, “Etuda z alba”, 1987); y los largometrajes de acción viva Búhos nocturnos (Night owls, “Deti noci”, 2008) y Juegos desleales (Faithless games, “Neverné hry”, 2003).

Para más información acerca de la realizadora:
http://www.michaelapavlatova.com/