Septiembre 2009. Las luces del cine se fueron apagando y a modo de bautismo del 1º Festival de Cine y Video de Río Negro apareció el cortometraje que le daría inicio: El empleo. Tan solo bastaron seis minutos en el interior de la sala para comprender lo inevitable: el festival abría con el ganador. 

Por Federico Godfrid.

EL EMPLEO DEL TIEMPO 

(fecha de realización: Septiembre 2009) 

Septiembre 2009. Las luces del cine se fueron apagando y a modo de bautismo del 1º Festival de Cine y Video de Río Negro apareció el cortometraje que le daría inicio: El empleo. Tan solo fueron necesarios seis minutos en el interior de la sala para comprender lo inevitable: el festival abría con el ganador. Imposible negar este vaticinio cuando se leía claramente en la cara de todos nosotros, los espectadores, al finalizar la proyección. “¡¿Quién es el director?! ¡¿Dónde está?!” Y ahí estaba Santiago (uno de los dos responsables), escondido entre las butacas. Con la tranquilidad que lo caracteriza hablamos profundamente de lo que significa ser un creador de la animación nacido y criado entre las rutas que unen Buenos Aires y la Patagonia, de este lado del mundo.

 
clikear arriba de las fotografías para ampliar

Antes de realizar El empleo (2008) tanto vos como Patricio(1) contaban con una vasta experiencia como animadores para estudios a nivel local. ¿Cómo se forma un animador en la Argentina? ¿Cómo influyen los grandes estudios?

Con relación a la formación de un animador en Argentina, los estudios impactan tanto de de forma positiva como también negativa. La gran escuela de formación de los animadores argentinos son los estudios de animación. Allí hay un montón de mesas y un montón de gente dibujando y produciendo varias películas, pero cada una de esas películas no dejan de ser un producto seriado. Ahí uno aprende muchas herramientas y metodologías de trabajo, aprende a ser profesional, pero también esa continua y monótona forma de trabajo anula artísticamente a la mayoría de los animadores. La gran mayoría de animación es Animé, Disney, Dreamworks y toda esa movida genera una gran transculturización en las mesas donde se forman los animadores. Si a eso le sumás la falta de apoyo que hay en este país para la animación, te encontrás con que hay muy pocas iniciativas que se presten a contar experiencias propias. El trabajo y la creatividad se invierten en obras que no son de acá y que están muy lejos de hablar de vos, de tus problemáticas. Yo lo veo mucho en la gente que estudia efectos especiales: terminan haciendo una película de super héroes en Jujuy y todo queda “tirado de los pelos”. No te contactás con un lugar humano, sino con emular un discurso que es parte de un proyecto político que en el fondo es macabro y efectivo.

Protagonista de El empleo (2008)

¿Y en este contexto supongo que surge la necesidad de hacer una película propia?

Como te decía, nosotros somos animadores y trabajamos de eso. Eso significa que desde hace algunos años pasamos muchísimas horas dentro de un estudio, frente a distintos tableros, dibujando, ilustrando, animando, etc. Llevamos más de seis largometrajes en los que participamos. Pero hacer animación, al menos en la Argentina, significa que tus películas son animaciones para empresas multinacionales inmensas, cuya identidad, para decirlo de alguna manera, es la globalización. Con ese panorama por delante nos surge la iniciativa: queríamos hacer un cortometraje argentino, pensado y repensado desde la historia de la animación Argentina. Te tiro una nota al pié: es bueno saber que el primer largometraje de animación fue argentino y lo realizó Quirino Cristiani(2) (ver en GRUPOKANE Noviembre 2007 Homenaje: Quirino Cristiani), pero hoy en día no hay animación argentina, o al menos no existe como una entidad, como si existe el Nuevo Cine Argentino, donde se cruzan temáticas, búsquedas formales, problemáticas propias del lugar en el que vivimos, del lugar que somos. La idea entonces era hacer un cortometraje -porque para largo “no nos daba el cuero”- que siente precedentes, que esté lo mejor hecho posible dentro de nuestras posibilidades y que hable de nosotros. Lo que nos propusimos es hacer una obra artística, que tenga una temática no comercial, en definitiva… que diga algo, que no emule el discurso que parecieran repetir todas las películas animadas que vienen de Hollywood.

¿Y cómo se gesta concretamente El empleo?

Apareció un concurso que nos sirvió de excusa para empezar a trabajar. A Patricio se le ocurrió la idea del hombre-objeto y comenzamos a desarrollarla. Queríamos meternos en un terreno surrealista pero con una animación realista. Si bien teníamos la idea del uso del hombre por el hombre, el corto recién empezó a tomar forma cuando elaboramos el story. En la animación el story board es indispensable, porque recién ahí aparece la estética del proyecto. Fue un “ir y venir” con Patricio; la verdad que tenemos mucha empatía y nos gusta trabajar juntos. Cuando uno se junta con otro animador hay que generar una afinidad en común, para poder dibujar de la misma manera.

¿Podrías desglosarnos cómo fue técnicamente ese proceso de trabajo?

Lo primero que se hace es una planilla de personaje, donde analizás en dibujos al personaje girando. Esto te permite que varios puedan dibujarlo al mismo tiempo y de una manera coherente. Además, nos permitió a nosotros también descubrir y comprender mejor a nuestro protagonista.

Lo que se hace es una carpeta donde ubicás al personaje girando, con todas sus actitudes. En nuestro caso era muy particular porque nuestro personaje no tiene cambios, siempre tiene el mismo estado emocional, muy apático. Nos separamos las tareas y yo empecé con los fondos y Patricio con el diseño de los personajes. Nos gustaba la idea de que el tono luciera “sucio” pero que se viera realista, entonces decidimos utilizar acuarelas.

Esta forma de trabajar es la que se utiliza dentro de las grandes empresas, como Disney, porque como te decía, nuestra escuela es estar “recurtidos” de hacer este tipo de trabajos y más bien que mal te enseña a encarar estos procesos de forma profesional. Más allá de la animación experimental que uno quiera o pretenda hacer, hay que saber de animación técnicamente y para eso es necesario aprender los mecanismos que te permiten resolver un problema en el menor tiempo y con la mejor factura posible.

En nuestro caso lo que hicimos con Patricio fue empezar a jugar. La animación te permite… o mejor dicho te fomenta los chistes lúdicos; como el tipo colgado del semáforo, que nos pareció algo que de alguna manera podría suceder acá. Yo creo que la película “técnicamente” se podría haber hecho en vivo, pero es la animación la que te lleva a pensar las cosas de esa manera. Estoy convencido de que si me hubiese propuesto hacer una película con actores jamás hubiese podido llegar a esa idea. Vuelvo al tema del story, vos pensá que todo lo que aparece en la pantalla es algo que hiciste vos. En el vivo uno está acostumbrado, o al menos supongo, a que la magia suceda en la acción. En cambio en la animación nada te sorprende, todo lo que aparece es algo que uno quiso que aparezca. Si no lo dibujaste, el personaje no actúa y el tiempo no pasa. El tiempo también es un problema que se resuelve desde el story, a partir de lo que se llama animatic (3), que vendría a ser un story en el tiempo. El animatic te permite entender qué pasa con la actuación, con la duración de los planos y lentamente visualizar todo lo que armaste en tu cabeza.

Fondo utilizado para El empleo (2008)

¿Y es ahí donde te das cuenta qué funciona y qué no?

Tal cual. Y hay algo más… una perla que te ofrece la ardua tarea de animar es que uno está todo el tiempo buscando la forma de ahorrar trabajo. Esto que parece una respuesta relacionada con la vagancia es todo lo contrario: te obliga de entrada a ser sutil, a sacar los planos que redundan, a no contar de más, que me atrevería a decir que es el defecto principal, a mi criterio, de muchos cortos vivos. Es en este proceso del animatic donde se define como va a ser el cortometraje.

Recién hablabas de comprender mejor al protagonista. ¿Podés contarnos algún ejemplo puntual de transformación en el diseño de personajes?

¡Lo primero que hicimos fue ponerle un gorrito de oficinista a nuestro protagonista! Sin darnos cuenta estábamos construyendo el estereotipo del oficinista yanki. Una reacción inconciente e inyectada por el tipo de lenguaje que manejamos cotidianamente en el trabajo. ¡Por suerte lo vimos y lo sacamos a tiempo! Recuerdo otro cambio puntual que hicimos cuando el protagonista toma su desayuno. Nosotros lo teníamos en casi todos los planos, acompañado de una persona-objeto y ahí decidimos que necesitábamos un plano de él en solitario. El desayuno en solitario nos permite entrar en la mente del personaje, era necesario darle ese tiempo solo, tanto al personaje como al espectador. Otro cambio que tuvimos que hacer fue redibujar una toma desde un ángulo diferente porque al juntarla con la toma anterior parecía que estábamos reencuandrando en vez de cortando. La animación tiene esas licencias donde podés usar muchos cortes en movimiento entre escena y escena y prácticamente no vas a tener nunca problemas de continuidad.

¿Y en algún momento lo guionaron?

El guión lo armamos después de tener el story para presentarlo como proyecto, pero el corto, más al ser mudo, no tenía un desarrollo que se pudiera poner en palabras de guión, y como nosotros dibujamos rápido nos era más sencillo y operativo desarrollar un story detallado que un guión. Pero no quiero decir con esto que no haya que hacerlo, creo mucho en la necesidad de tener un guión. Pero en este caso, una persona usando a otra persona como objeto, es una idea puramente visual, entonces es más práctico verlo que narrarlo en palabras.

Vuelvo al punto de las transformaciones en el tiempo. Me resulta inquietante, casi perturbador el hecho de saber que luego de los tres años que les llevó realizar este cortometraje, las imágenes finales son las mismas que tenían diseñadas al finalizar el animatic dos años antes. Es decir, en esos dos años de posproducción, no sé si decirlo a nivel narrativo, pero en términos de espacio y tiempo, ¿no cambia nada?.

No. La película la tenés que tener en la cabeza, estás viendo el animatic y tenés que imaginarte cómo va a quedar. El dibujante tiene que tener mucha imaginación porque no te podés dar el lujo de cortar media toma. Pensá que el grueso de nuestro trabajo arranca con toda la posproducción. Son dos años de layout, animación, intermediación, pulido, escaneado, coloreado, posproducción de sonido y posproducción de fondos. Por eso es mucha planificación con precisión. Cuando el personaje comienza a moverse hay algunas cositas que pueden cambiar, pero el grueso ya está todo definido. Parafraseando a Miguel Ángel “la escultura está dentro del bloque de mármol”. La animación es esculpir en el tiempo, uno va encontrando lo que uno imagina. Al menos en este tipo de animación que es la que hacemos nosotros. En el caso de la animación experimental es otro “lime”, que tiene que ver más con la experimentación de los materiales.

La idea del hombre-objeto desplegada en El empleo (2008)

Es muy interesante esto que planteás con relación a pensar el tiempo desde un primer momento. Creo que es una de las etapas de mayor complejidad en el armado de una película. Sucede reiteradas veces que uno se encuentra con películas que tienen problemas de ritmo interno…

Creo que el proceso de gestación del corto es muy definitivo. Es muy cruel lo que voy a decir pero hoy en día cualquier persona puede agarrar una cámara y hacer un corto en vivo. Y eso hace que haya mucho de cualquier cosa. El trabajo que conlleva un corto de animación implica superar un filtro que muy pocos pueden llegar a hacerlo. Y respecto a la narrativa creo que el proceso del story y de que todo sale de una cabeza conlleva un nivel de pureza comunicacional. Pero estoy de acuerdo con lo que mencionás: veo muchos trabajos con inconsistencias o que se caen. No puede ser que un corto de ocho minutos se caiga. Eso te puede pasar en un largo, que alguien dentro de esa hora y media recuerde que tenga que ir al supermercado y su mente salga de la película, pero en un corto no puede pasar. Tiene que ser un golpe certero en la cabeza.

A la distancia, ahora que El empleo está terminado, ¿qué cosas son las que más te gustan? ¿Existen algunas que te gustaría retocarle?

Corregiría cosas técnicas de animación, detalles que me hubieran gustado que quedaran mejor, como algunas caminatas. Pero el resto, como el montaje, creo que es un punto alto. Yo también de verlo tanto ya perdí un poco la noción. Pienso que está bueno terminar con algo y decir, bueno hasta acá llegué y no retocarlo indefinidamente, sobre todo en el aspecto técnico de la animación. Y con respecto a lo que me gusta me parece que la idea es alucinante, es el motor de todo. De hecho yo estaba con el otro corto que había mandado a Annecy(4) y cuando salió esto dijimos “le damos por acá” y largué lo otro. Creo que la animación es muy sutil, está muy bien resuelta y es muy coherente.

¿Existe un camino para producir cortos o largos de animación?

Quizás a través de Festivales, cazarle la onda al tema de la distribución. Por ahora seguimos desarrollando nuestros proyectos de cortos en la búsqueda de poder en algún momento llegar al largometraje. Por ahora parece algo imposible si uno no tiene la banca de guita, pero esperemos poder llegar. Tuvimos una primera idea que fue hacer algo que fuera inspirador para los animadores, que diga: “puta se puede hacer algo que quede profesional”. Creo que ese es el mayor logro de El Empleo. Casi todo el material de animación viene desde afuera. Ahora está el largometraje que está haciendo Caloi(5), Anima Buenos Aires, que va a ser muy interesante porque será un largometraje de autor argentino. Todas las películas que se hacen en la Argentina son “choclos para las vacaciones de los pibes”. Nosotros hace un tiempo que asumimos un compromiso, hacer algo que rompa un poco, porque la animación está putrefacta. El INCAA sigue sin dar apoyo para el cine de animación y eso nos lleva a intentar armar alguna co-producción con algún país, pero lo cierto es que eso implicaría ir a firmarlo al país co-productor y nosotros queremos hacerlo acá, en nuestro país.

Santiago Bou Grasso (Auto-retrato en acrílico)

Acerca de Santiago Bou Grasso

Nace en Buenos Aires. Animador 2D y de stopmotion, ilustrador e historietista. Diseñador en Comunicación Visual recibido en 2003 en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata.

Su experiencia profesional como animador es vasta, trabajando en largometrajes para varios estudios y productoras, entre ellas Filmax Animation (Gisaku, Nocturna), Patagonik Film Group (El Arca, Patoruzito) y Hook Up animation (Winnie Pooh, Cartoon Network). Como freelance ha realizado trabajos para Teenage Mutant Ninja Turtles (Simon & Schuster, Mirage Studios) y Zero 2 Heroes, entre otros.

Fue seleccionado por el Festival Internacional de Annecy 2005 con motivo de la preproducción de su cortometraje La cara de la luna. Con sus cortos para Internet participó en concursos de animación, obteniendo distintos reconocimientos.

En 2007 gana una beca nacional de creación otorgada por el Fondo Nacional de las Artes. Con el cortometraje El empleo se convierte en 2008 en el director de cine de animación más premiado internacionalmente. Hasta el momento lleva 70 premios nacionales e internacionales con este trabajo.

Actualmente vive en San Carlos de Bariloche, Río Negro, trabajando como ilustrador freelance y principalmente realizando animación independiente, produciendo sus cortometrajes e historietas.

Para más información acerca del animador:
http://opusbou.blogspot.com/

Notas al Pie

(1) Patricio Gabriel Plaza, co-director de El empleo (2008). Es Animador 2D, ilustrador e historietista. Lleva más de diez años trabajando en estudios haciendo licencias para largometrajes de animación. Actualmente se dedica al trabajo como animador independiente e ilustrador freelance. (Volver)